Живопись Франции II-й половины XIX века
Просмотров: 363
Презентация к уроку
Загрузить презентацию (2,81 МБ)
Цель урока: знакомство со стилем реализм на примере развития живописи Франции II половины XIX века
Задачи урока:
- познакомить учащихся с творчеством художников Франции II половины XIX века,
- познакомиться с разнообразием жанров этого времени,
- выявить особенности реализма II половины XIX века,
- развитие у школьников способностей к анализу произведения,
- развитие воображения, творческого мышления и умения работать в группах.
- развивать умения анализировать, сравнивать, делать вывод.
Форма урока: комбинированный медиаурок.
ХОД УРОКА
Класс разделен на 4 группы
На экране пейзаж Клода Жозефа Верне
Учащимся предлагается вспомнить особенности пейзажной живописи 18 века, затем сравнить с пейзажем Камиля Коро и увидеть отличия и сделать выводы (обратить внимание на построение композиции, планы, световые пятна, как написаны фигуры на полотне).
Учащиеся делают выводы
Учитель: Меняется политическая и экономическая обстановка в Европе и соответственно меняется искусство, темы и техника.
Для Европы вторая половина XIX века – время активных социальных преобразований и быстрого развития промышленности. Во Франции на смену республиканскому строю, установленной революцией 1848 года, пришла империя Наполеона III (1852-1870). Франко-прусская война 1870-1871 и очередная революция 1870 г. привели к восстановлению буржуазной республики. В этот период Франция создала мощную банковско-финансовую систему, а присоединение колоний сделало ее второй после Англии колониальной державой.
Люди искусства стремились уловить и передать в своем творчестве образы нового времени. Рушились художественные принципы, рожденные прошедшими веками, отметались старые сюжеты.
Уже второй век подряд законодательницей мод и стиля жизни оставалась Франция. Она сохраняла первенство и в искусстве. В Париже проходили Салоны, на которых выставлялись отобранные жюри картины современных живописцев. Публика оживленно обсуждала работы художников, газеты и журналы печатали рецензии критиков. Раз в несколько лет в европейских столицах устраивались всемирные промышленные выставки, где наряду с техническими достижениями демонстрировались и произведения искусства.
Французские мастера стремились достичь наибольшей достоверности в изображении природы и человека, искали новый художественный язык, способный правдиво передать действительность. Ведущим принципом в искусстве этого периода стал реализм (от латинского слова realis – «вещественный», «действительный»).
Во французской живописи реализм заявил о себе ранее всего в пейзаже, на первый взгляд наиболее отдаленный от общественных бурь и традиционной направленности жанра. Начинается он с так называемой барбизонской школы, с художников, получивших в истории искусства такое название по имени деревушки Барбизон недалеко от Парижа.
Это была группа молодых живописцев – Теодор Руссо, Диаз дела Пенья, Жюль Дюпре, Констант Тройон, Шарль Франсуа Добиньи, – которые приехали в Барбизон писать этюды с натуры. Картины они завершали в мастерской на основе этюдов, отсюда законченность и обобщенность в композиции и колорите. Но живое ощущение натуры в них оставалось всегда. Всех их объединяло желание изучать природу и правдиво ее изображать, однако это не мешало каждому из них сохранять творческую индивидуальность.
Каждой группе предложены изображения картин одного из барбезонцев с заданием увидеть характерное для данного художника. Если школьники справляются с этим заданием, то отвечают следующим образом:
Теодор Руссо тяготеет к подчеркиванию вечного в природе, большинство картин объединены одним колоритом.
Жюль Дюпре часто пользуется светотеневыми контрастами, его картинах чувствуется напряжение, очень часто присутствуют люди и животные.
Констант Тройон в свои изображения природы любил вводить животных.
У Шарля Франсуа Добиньи высветленная палитра, объёмное нанесение красок и резкие мазки кистью.
Продолжает учитель: Говоря о пейзажистах середины XIX века нельзя обойти молчанием одного из самых тонких мастеров французского пейзажа – Камиля Коро (1796-1875). В Салонах он выставлялся, но всегда помещался в самых темных местах, где пропадает весь его изысканный колорит. Знаменательно, что Коро приветствуют романтики. Не впадая в отчаяние от неуспеха у официальной публики, Коро пишет этюды для себя и скоро становится создателем интимного пейзажа, «пейзажа настроения».
(«Воз сена», «Колокольня в Анжентее»).
Он много ездит по Франции, некоторое время следит за развитием живописи барбезонцев, но находит свой собственный «Барбезон» – маленький городок под Парижем Вилль Даврэ, где его отец, парижский торговец, покупает дом. Здесь, в этих местах, Коро нашел постоянный источник вдохновения, создал лучшие пейзажи, которые часто населял нимфами или другими мифологическими существами. Но что бы он не писал, Коро следовал непосредственному впечатлению и всегда оставался предельно искренним («Мост в Манте», «Башня ратуши в Дуэ»). Человек в пейзажах Коро органически входит в мир природы. Это не стаффаж классического пейзажа, а живущие и делающие свою извечную, простую, как жизнь работу люди: женщины, собирающие хворост, возвращающиеся с поля крестьяне («Семья жнеца»). Однако в восприятии Коро больше созерцательности. Бедные люди, согнутые под грузом непосильного труда, не смеют оглянуться; красоты природы не существует для них как пейзаж. Они еще не оторвались от природы. И это невольно создает дистанцию, мы бы сказали, общественную грань между художником и сельскими тружениками. Он не встает в позу защитника социальной несправедливости, как Милле, не вступает в разговор с бедняками. Он видит, сочувствует и проходит мимо.
В пейзажах Коро редко встретишь борьбу стихий, ночной мрак, что так любили романтики. Он изображает предрассветную пору или грустные сумерки, предметы у него окутаны легкой дымкой, прозрачные лессировки обволакивают формы, усиливают серебристую воздушность. Но главное – изображение всегда проникнуто личным отношением художника, его настроением. Его гамма цветов как будто не богата. Это градации серебристо-жемчужных и лазурно-перламутровых тонов. «Чтобы понять Коро, нужно слишком рано вставать», – будто бы сказал Наполеон III, намекая на несоизмеримость мира художника и мира жизненной руины. «Чтобы понять мои картины, – говорит Коро, – нужно набраться терпения и дождаться, пока поднимется туман». Письмо Коро размашистое, свободное. Именно это качество вызывало резкие нападки официальной критики.
Наряду с пейзажами Коро писал много портретов. Часто они выполнялись на фоне спокойной природы. Коро не был предшественником импрессионизма. Но его способ передавать световую среду, его отношение к непосредственному впечатлению от природы и человека имели большое значение для утверждения живописи импрессионистов и во многом созвучны их искусству.
Одно время в Барбизоне работал Жан Франсуа Милле (1814-1878). Родившийся в крестьянской среде, Милле навсегда сохранил связь с землей. Крестьянский мир – основной жанр Милле. Из родной Нормандии он приезжал в Париж, где приобрел славу портретами и небольшими картинами на библейские и античные сюжеты. Однако Милле сложился как мастер крестьянской темы в 40-х года, когда приехал в Барбизон и сблизился с художниками этой школы, особенно с Теодором Руссо. С этого времени начинается зрелый период творчества Милле (Салон 1848 г – картина на крестьянскую тему «Веятель»). Подобный выбор героя и темы мало отвечал вкусам буржуазной публики, поэтому всю жизнь Милле терпел нужду, но теме не изменил. «Я крестьянин и ничего больше, чем крестьянин», – говорил он о себе. В маленьких по размеру картинах Милле создал обобщенный и монументальный образ труженика земли («Сеятель», 1850). Он показал сельский труд как естественное состояние человека, как форму его бытия. В труде проявляется связь человека с природой, которая облагораживает его. Человеческий труд умножает жизнь на земле. Этой идеей пронизаны картины «Анжелюс» и «Собирательницы колосьев».
Для почерка Милле характерен предельный лаконизм, отбор главного, позволяющий передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни. Милее достигает впечатления торжественной простоты спокойного мирного труда и при помощи объемно-пластической трактовки, и ровной цветовой гаммой. Он любит изображать спускающийся вечер, как в сцене «Анжелюс», когда последние лучи заходящего солнца освещают фигуры крестьянина и его жены, бросивших на миг работу при звуках вечернего благовеста. Приглушенная цветовая гамма составлена из мягко сгармонизованных красновато-коричневых, серых, голубых, почти синих и сиреневых тонах. Темные силуэты фигур со склоненными головами, четко читаемые над линией горизонта, еще более усиливают общую лапидарность композиции, имеющей в целом какое-то эпическое звучание. «Анжелюс» – это не просто вечерняя молитва, это молитва за умерших, за всех тех, кто работал на этой земле. Большинство произведений Милле пронизано чувством высокой человечности, покоя, умиротворения.
В конце жизни художник под влиянием барбизонцев увлекся пейзажем. В «Зимнем пейзаже с воронами» (1866 г.) нет крестьян, они давно ушли, бросив пашню, по которой бродят вороны. Земля прекрасна, печальна и одинока. «Весна» – последняя работа Милле. Полная жизни и любви к природе, сияющая яркими красками после дождя, она закончена незадолго до смерти художника.
Милле никогда не писал картин с натуры. Он любил ходить по лесу делать маленькие зарисовки, а потом по памяти воспроизводил понравившийся мотив.
Живописное мастерство, стремление без прикрас показать деревенскую жизнь поставили Милле в один ряд с барбизонцами и художниками реалистического направления, работавшими во второй половине XIX века.
В Германии в конце XVIII века был изобретен новый вид графики – литография. Оттиски выполнялись переносом краски под давлением с плоской поверхности камня на бумагу. Мастера могли с помощью этой техники передавать множество оттенков черного цвета, различные по характеру штрихи и пятна, а также прекрасно имитировать карандашный рисунок и набросок тушью. Литография давала множество четких отпечатков, и ее быстро освоила полиграфическая промышленность.
Расцвет литографии во Франции произошел в 30-40-е годы XIX века, то было связано с активным участием прессы в общественной жизни. Сатирические журнал «Карикатюр» и газета «Шаривари» высмеивали отрицательные стороны режима Луи Филиппа (1830-1848гг), взошедшего на престол после Июльской революции 1830 г. Одними из самых острых были карикатуры и шаржи Оноре Домье.
Все исторические события, происходившие во Франции, начиная с революции 1830 г. и кончая франко-прусской войной и Парижской коммуной 1871 года, нашли самое яркое отражение в графике Оноре Домье (1808-1879). Славу Домье принесла литография «Гаргантюа» (1831) – карикатура на Луи Филиппа, изображенного заглатывающим золото и «отдающим» взамен ордена и чины. За эту карикатуру был приговорен к 6 месяцам заключения и 500 франкам штрафа. Уже в этом графическом листе Домье – график, преодолевая перегруженность композиции и повествовательность, тяготеет к монументальной, объемно-пластической форме, прибегает к деформации в поисках наибольшей выразительности изображаемого лица или предмета.
Он осмысливает каждодневные события политической борьбы сатирически, умело пользуясь языком иносказаний и метафор. Так возникает карикатура на заседание министров и депутатов парламента Июньской монархии «Законодательное чрево»: сборище немощных стариков, равнодушных ко всему, кроме своего честолюбия, тупо самодовольных и чванливых.
Домье чутко и эмоционально отозвался на террор, наступивший после Июльской революции. Литография «Улица Транснонен» (1834) изображает трагический финал рабочих восстаний в 1934 г. На улице Транснонен солдаты королевской армии ворвались в один из домов и перебили всех жильцов, включая женщин и детей. Страшным пятном выплывает из мрака фигура мертвого мужчины в ночном колпаке, лежавшего на полу. Он сполз с кровати и придавил собой малыша. Яркий свет безжалостно вырывает из темноты голову убитой старухи. В тени распласталась женщина. В этой гравюре дарование Домье проявилось наиболее полно. Он виртуозно использовал многочисленные оттенки серого и резкие контрасты черного и белого.
После прихода к власти императора Наполеона III (1852-1870) политическая сатира была запрещена.
Домье как живописец был неизвестен современникам; он никогда не выставлял свои картины. Легкие свободные мазки, отдельные контрастные пятна краски, соединяясь, рождают выразительный и яркий образ Дон Кихота. Он гордо восседает на тощей лошаденке, прямой и самоотверженный, – великий мечтатель, большой ребенок, искренне верящий в добро и справедливость («Дон Кихот», 1866-1868 гг.).
Признание пришло к Оноре Домье уже после смерти. В 1901 году в Париже устроили большую персональную выставку мастера, где были показаны литографии, сделанные им за сорок лет работы, и картины. Благодаря его достижениям техника литографии получила широкое распространение среди французских и европейских мастеров второй половины XIX столетия
Критический реализм как новое мощное художественное направление активно утверждает себя в жанровой живописи. Его становление в этой области связано с именем Густава Курбе (1819-1877). Как справедливо писал Лионелла Вентури, ни один художник не вызывал такой ненависти мещан к себе, как Курбе, но ни один не оказал такого влияния на живопись XIX века. Он правдиво изображал современность как видел. Больше всего наблюдал и знал Курбе обитателей своего родного Орнана и деревень этой местности, поэтому именно жители этих мест, сцены из их жизни и послужили для Курбе теми «портретами своего времени», которые он создал. Простые жанровые сцены он умел трактовать как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью героическую окраску.
Родившись в 1819 году на юго-западе Франции, в зажиточной крестьянской семье местечка Орнан, Курбе в 1840 г. перебирается в Париж, чтобы «Завоевать его». В Салоне 1842 года он дебютировал «Автопортретом с черной собакой», в 1846 г. пишет «Автопортрет с трубкой». Лицо полно неги, лукавства, но и поэзии и изящества. Живопись широкая, свободная, насыщена светотеневыми контрастами.
Революция 1848 г. обращает к темам труда и нищеты. В его картине «Камнетесы» (1849-1850 гг.)при этом нет социальной остроты, никакого протеста мы не читаем ни в фигуре старика, вся поза которого как будто выражает смирение перед судьбой, ни молодого парня, согнутого под тяжестью ноши, но есть несомненное сочувствие к доле изображенных, простая человеческая симпатия. Но само обращение к подобной теме было задачей социального плана.
После разгрома революции Курбе уезжает в родные места, в Орнан, где создает ряд полотен навеянных простыми сценами быта. «После обеда в Орнане» (1849 г.) – это изображение себя, своего отца и двух земляков за столом слушающими музыку. Обращение к подобной обыденности показалось публике дерзостью.
Самое знаменитое творение Курбе – «Похороны в Орнане». Художник изобразил в этой большой (6 кв. м холста, 47 фигур в натуральную величину) композиции погребение, на котором присутствует орнанское общество во главе с мэром. Контраст торжественной церемонии и ничтожества людских страстей даже перед лицом смерти вызвал целую бурю негодования публики, когда картина была выставлена в Салоне 1851 года. В ней видели клевету на французское провинциальное общество, и с тех пор Курбе стал систематически отвергаться официальным жюри Салонов.
В 1855 г., когда Курбе не был принят на международную выставку, он открыл свою экспозицию в деревянном бараке, названном им «Павильон реализма», и предпослал ей каталог, в котором изложил свои принципы реализма. «Быть в состоянии передать нравы, идеи, облик моей эпохи, согласно моей собственной оценке; быть не только живописцем, но и человеком; одним словом, создавать живое искусство – такова моя цель», – провозглашает художник. Декларация Курбе к выставке 1855 г. вошла в искусство как программа реализма.
Столь же программна и другая картина «Здравствуйте, господин Курбе». Здесь изображен сам художник с этюдником за плечами и посохом в руке, повстречавший на проселочной дороге коллекционера Брюйа и его слугу. Но знаменательно, что не Курбе, некогда принимавший помощь богатого мецената, а меценат снимает шляпу перед художником, идущим свободно и уверенно, с высоко поднятой головой. Идея картины – художник идет своей дорогой, он сам выбирает свой путь – была принята всеми, но встречена по-разному и вызвала неоднозначную реакцию.
В дни Парижской Коммуны Курбе становится ее членом, и его судьба переплетается с судьбой пролетарской революции. Последние годы он живет в изгнании, в Швейцарии, где и умирает в 1877 году. В этот период он пишет ряд прекрасных по своей выразительности вещей: охоты, пейзажи и натюрморты. Он уделяет огромное внимание передаче реального ощущения пространства, проблеме освещения.
Реалистическая жизнь Курбе во многом определила дальнейшие этапы развития европейского искусства.
Закрепление пройденного материала
Каждой группе учащихся раздаются изображения произведений одного их художников с заданием вспомнить и рассказать о жанре, манере и особенностях живописи мастера.
Домашнее задание
Записать выводы, сделанные на уроке
Список литературы:
- Долгополов И.В. Мастера и шедевры т 1, М, 1986
- Искусство Книга для учителя ч 2, М 1988
- Ильина Т.В. История искусств Западноевропейское искусство М, 1993
- Мастера искусства об искусстве, т 4, М., 1967
- Энциклопедия Аванта+, т 7 ч 2. М., 1999